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En todas las épocas, los humanos han intentado reproducir el movimiento sobre las representaciones que hacían. Seguramente conocerás la obra de anónimos artistas rupestres de la prehistoria, que inmovilizaron en las paredes de sus grutas a los animales que les rodeaban. Hace cuatro mil años los egipcios descomponían las sucesivas etapas del movimiento en sus representaciones; los pintores de la Edad Media superponían en un mismo cuadro distintas escenas sucesivas como integrantes de un momento único; los futuristas de los primeros años de este siglo, fascinados por el dinamismo y la velocidad del mundo contemporáneo, fragmentaban el espacio de sus composiciones pictóricas en un sinfín de falsos desplazamientos.

Captar el movimiento ha sido, pues, la obsesión del ser humano en sus representaciones pictóricas y escultóricas. A principios del siglo pasado una serie de acontecimientos preparan el camino para lo que luego se constituyó en la primera representación auténtica de la imagen en movimiento: el cinematógrafo.

El nacimiento del cinematógrafo fue una labor compleja, el resultado de una larga serie de descubrimientos y progresos en mecánica y óptica, en la industria química y en el conocimiento de las leyes de la visión. Fueron tres áreas de investigación las que convergieron: a) La estroboscopia o persistencia retiniana de las imágenes.

b) La reproducción científica de imágenes o análisis del movimiento por la fotografía.

c) La reconstrucción o síntesis del movimiento en proyección.

La estroboscopia Es un fenómeno fisiológico natural de nuestros ojos. Si le llega al ojo una imagen luminosa, conserva la impresión hasta una décima de segundo después de desaparecer aquella. Esta anomalía del ojo humano es la base del cine. Sin la estroboscopia no podríamos ver cine, pues gracias a esta persistencia retiniana tenemos en el cine la ilusión de un movimiento continuo, al ver desfilar ante nuestros ojos unas imágenes intermitentes. En 1711 Nollet crea el primer juguete científico, la 'peonza deslumbradora', inspirada en el disco de Newton. Luego se fueron inventado decenas de juguetes basados en este defecto de nuestros ojos y que intentaban dar un efecto de movimiento. Uno de los primeros juguetes ópticos que utilizan dibujos en movimiento fue el 'taumatropo', que era un simple disco de cartón con dibujos complementarios en sus dos caras, dibujos que se superponen al ojo formando una imagen única, cuando se hace girar el disco rápidamente sobre su diámetro. Hornes, un matemático ingles, invento el 'zootropo', que consistía en un tambor metálico con una serie de hendiduras que giraban en sentido horizontal alrededor de un eje. En su interior se colocaban unas bandas de papel que reproducían momentos sucesivos de una misma escena, escena que, al girar el aparato, es espectador veía animada mirando por una rendija. Cincuenta años después Reynaud perfeccionó este aparato y creó su 'teatro óptico, con el que utilizó cintas perforadas, y con el que a partir de 1892 dio las primeras representaciones públicas largas de dibujos animados, con cintas de papel que duraban quince minutos. Por primera vez estroboscopia y proyección se unen aquí, pero no se trataba todavía mas que de movimientos descompuestos, es decir, son sólo dibujos. Podemos decir que el dibujo animado nació antes que el propio cine, pero no es cine. Para que exista cine es necesario que primeramente exista la fotografía.

La fotografía a partir de la cámara , conocida ya por Vinci, y empleando la propiedad Leonardo da de sales de plata que al contacto con la algunas luz se ennegrece, un francés, Niepce, obtiene la primera fotografía conocida (1827). Poco después en 184 Daguerre la perfecciona y consigue fotografías en tiempos cada vez más reducidos, aunque todavía duraba veinte minutos el tiempo de exposición. Todavía había que reducir el tiempo de exposición fotográficas hasta conseguir la foto instantánea y la toma rápida de vistas, que permitieran coger a un sujeto en acción sin interrumpir su movimiento. Las primeras tomas de vistas con descomposición del movimiento fueron realizadas a partir de 1873 por el ingles Muybridge, al descomponer el movimiento del galope de un caballo. Este trabajo fue un encargo de un millonario californiano, que había cruzado una apuesta sobre cuáles eran exactamente los diversos movimientos de un caballo al galope. A lo largo de la pista de carreras, Muybridge colocó 24 cámaras, cada una con su respectivo operador, cámaras que disparaban al paso de los caballos.

El procedimiento utilizado era primitivo. Consistía en una batería de 24 cabinas, provistas de aparatos fotográficos, cada uno de los cuales debía ser atendido por un operador. A una señal, los operadores preparaban sus placas. Cada aparato era obturado por medio de un hilo que, a corta altura sobre el nivel del suelo, atravesaba una pista y se fijaban en un muro. El caballo, al moverse, iba rompiendo cada uno de los hilos en forma sucesiva, descubría el objetivo y registraba una fotografía por vez mientras el animal atravesaba la pista (Sigmundo Feldman: La composición de la imagen en movimiento).

Así obtuvo una serie de instantáneas que se hicieron famosas, al descomponer exactamente el galope de un caballo y demostrar que las tradicionales representaciones pictóricas de caballos al galope eran falsas.

La síntesis del movimiento En 1822 el fisiólogo Marey, interesado en estudiar los movimientos de los animales, construyó su fusil fotográfico, con el que podía obtener una serie de doce instantáneas de un movimiento sobre un soporte circular que giraban alrededor del objetivo, del mismo modo que el tambor de un revólver. Marey continuó sus trabajos, y perfeccionó su fusil fotográfico aplicándole los rollos de película.

Kodak que estaban recién salidos al mercado (1890). Consigue fijar las imágenes sucesivas de un movimiento que no puede ser percibido por el ojo, registrándolo en la película fotográfica flexible de kodak. El análisis científico del movimiento ha sido realizado, y prácticamente Marey ha inventado la cámara y la toma de vistas cinematográfica, y es por eso por lo que muchos historiadores reivindican para Marey el invento del cine. Pero a Marey lo que le interesaba era estudiar los seres y sus movimientos (por eso era fisiólogo), y se preocupó de reconstruir la síntesis de esos movimientos para llegar a lo que será el cine.

Recuerda que Renaud con su teatro óptico y Marey fueron los que más se aproximaron al cinematógrafo, pero no lo consiguieron porque ambos tenían objetivos distintos. Reynaud consiguió la síntesis del movimiento en proyección sobre pantalla utilizando cintas perforadas kodak, aunque eran solamente dibujos. Marey creó la descomposición del movimiento con la construcción de la primera y muy elemental cámara tomavistas. Un paso muy importante para la aparición del cine fue la película moderna de 35 mm. con cuatro perforaciones por imagen para su arrastre.

¿Qué es una película cinematográfica? Es una cinta flexible y transparente que contiene una serie de fotografías. Cuando estas fotografías fijas se proyectan sobre una pantalla, la imagen resultante está en movimiento. La explicación de este proceso, que transforma una serie de cuadros estáticos en una escena móvil, es bastante simple: la pantalla muestra en realidad las mismas imágenes fijas, pero su rápida sucesión las unifica y nuestra visión recompone el movimiento. Aunque la marcha de la película no es continuada, cada foto fija queda inmovilizada un instante antes de pasar a la siguiente serie, en un brevísimo espacio de oscuridad entre cada una de ellas, espacio que pasa inadvertido a nuestros ojos por la persistencia de la visión en la retina. Lo que faltaba para llegar al cine era la proyección en pantalla. Los hermanos Lumiere construyeron el primer aparato sencillo y práctico, que era al mismo tiempo cámara y aparato de proyección, capaz de registrar fotográficamente imágenes en movimiento y reconstruirlas proyectándolas sobre una pantalla en unas condiciones eficientes y convincentes de calidad. luminosidad, veracidad y duración. LUMIERE, INVENTOR DEL CINE Louis Lumiere, junto con su padre y su hermano, dirigían una importante fábricda de productos fotográficos en Lyon. Empezaron a trabajar en el cinematógrafo a partir del kinestoscopio de Edison. Uniendo los trabajos realizados por Marey y Edison empezaron a diseñar su cinematógrafo y adaptarle al tipo de película que inventó Edison. Así realizaron sus primeras películas filmadas. El 28 de diciembre de 1895, hace cien años, dieron una representación pública en un pequeño salón situado en el sótano del Grand Cafè, en el número 14 del Boulevard des Capucines de Paris. Este salón, llamado Salón Indien, era de dimensiones reducidas, tal y como querían los Lumiere. Después el cinematógrafo se presentó en Madrid, el 15 de mayo de 1896, Sevilla, 27 de septiembre de 1896 y en Jaén el 5 de mayo de 1898.

Las primeras películas realizadas por los Lumiere son sobre los temas más cercanos a ellos, como la fábrica, la familia, la estación de tren, el jardín de su casa, la calle, el mar etc. Estas películas mostraban imágenes normales para el espectador, sacadas de la vida diaria de una ciudad o, a veces de la vida en el campo. La Salida de los obreros de la fábrica Lumiere, La llegada del tren a la estación de Ciotat, Riña de niños, El desayuno del bebé, La partida de naipes, La demolición de un muro etc. Son escenas de la vida misma, de la calle, rodadas en exteriores, infantiles, pero en las que se veía la realidad de la reproducción fotográfica llenas de realismo. El realismo es, sobre todo, la característica dominante en las películas de los Lumiere. Sus películas son un documento social que retrataban una forma de vida y un época. La llegada del tren y El regador regado: son dos películas pioneras de los géneros cinematográficas el documental y la comedia de humor. En La llegada del tren, la locomotora venía desde el fondo de la pantalla hasta que prácticamente se lanzaba sobre la cámara, de forma que los espectadores identifican su visión con la de la cámara y temían ser aplastados. Esta identificación de la visión del espectador con la de la cámara va a ser una de las características fundamentales del desarrollo del cine, de su posibilidad de contar historia y que el espectador las viva y se identifique con ellas. La cámara es ya, por primera vez, un personaje de la acción. La cámara la sitúan los Lumiere frente a los objetos en movimiento y ante ella van desfilando, entrando y saliendo del encuadre de izquierda a derecha, o al revés. Es, pujes, el movimiento interno del cuadro y no el de la cámara el que produce una gran cantidad de planos diferentes. En El regador regado lo más notable es la aparición por primera vez del guión cinematográfico. La película es muy sencilla, pero tuvo un enorme éxito. Se puede considerar este filme como el primer filme de ficción de la historia del cine, y a esta comedia de humor, como el primer género cinematográfico. Pero en todas estas películas dominaba más la novedad del instrumento cinematográficos (es decir, lo técnico) que la creatividad o la imaginación. El éxito era tan grande que ya al poco tiempo los Lumiere empezaron a contratar operadores para enviarlos por todo el mundo. Se produce, por primera vez una separación entre la figura del productor de películas (los Lumiere) y la del director- operador de cine, encargado de registrar las imágenes y realizar sus propias

películas. Estos operadores de Lumiere eran, además, proyeccionistas, contribuyendo a la rápida difusión del cinematógrafo. Entre los operadores, los más famosos, fueron Promio, que fue quien organizó la primera proyección de cine en España, y Mesguich. Estos operadores enviaban a Paris imágenes y paisajes de tierras exóticas y lejanas, a la vez que popularizaban el invento del cinematógrafo por todo el mundo. Así empezó el documental de viajes y los noticieros. Una vez pasado el efecto de la novedad técnica, y cansado ya el público de tantas llegadas de trenes y similares, fue exigiendo aportaciones nuevas, distintas de las infantiles vistas realistas de los Lumiere. Como los Lumiere eran industriales, comerciante, y no creadores, fueron abandonando poco a poco la producción y exhibición de películas y despidieron a sus operadores. A partir de ese momento centraron su actividad en la construcción de aparatos actividad específica. Dejaban el desarrollo del nuevo medio en manos de hombres como Mèlies, Porter y los fotógrafos de la Escuela de Brighton, que iniciarán el largo camino de hacer del cine el arte y el medio de expresión por excelencia del siglo XX.

MELIES O EL CINE ESPECTACULO

Cuando pasó el primer furor de la aparición del cine, el público empezó a cansarse de las insulsas películas de los Lumiere. Se necesitaba un cambio para que la gente volviera a recuperar la ilusión y ese cambio vino de la mano de Mèlies. Mèlies fue uno de los asistentes a la primera proyección que organizaron los Lumiere en París. Era director de un teatro parisino y enseguida vio las posibilidades que podría tener el cine como espectáculo. Le pidió a los Lumiere que le vendieran su aparato y se negaron, entonces compró en Inglaterra el bioscopo de Wlliam Paul, que era un aparato similar, pero mucho más imperfecto que el cinematógrafo. Mèlies lo transformó, lo mejoró, y empezó a rodar películas. Las primeras películas no eran nada originales. La originalidad de Mèlies empieza cuando un día, por casualidad, descubre el trucaje cinematográfico.

¿COMO DESCUBRIO MÈLIES EL TRUCAJE?

Rodaba en la calle una película documental y, de repente, la cámara se le atascó. Tuvo que parar, arregló el atasco y siguió rodando. Fue más tarde, durante la proyección, cuando de repente unos vehículos se tansforman en otros y donde había una mujer aparece un hombre. Así empezó a rodar sus películas de trucos, descubriendo nuevas posibilidades al cine. Primero fue la película 'El escamoteo de una dama', donde un prestidigitador hace desaparecer una mujer ante la vista del espectador. Luego, la desaparición se hace sustitución, y después mil trucos más como fundidos, sobreimpresiones, mascarillas, el rodaje de imagen por imagen, el ralentí, la cámara acelerada, el travelling etc. Todo estos trucos que utiliza Mèlies serán luego, a partir de Griffith, parte fundamental del lenguaje cinematográfico. La diferencia entre Mèlies y Griffith está en que para el primero todos estos trucos eran un sin en si mismo con los cuales busca únicamente causar el asombro del espectador, como si fuera magia; para Griffth es un recurso narrativo y forma parte del lenguaje cinematográfico.

Pero Mèlies no supo tampoco evolucionar y cayó en su propia estética teatral y atrancó con un estilo que consistía en dejar la cámara quieta para que ante ella suceda todo, como si fuera un teatro. Pero el cine no es teatro. Todas sus películas tienen el mismo punto de vista y, además, fue incapaz de renovar su técnica. Viendo El viaje a la luna (1902) es como si se viera La conquista del Polo (1912) con escenas casi semejantes y un mismo tratamiento. El mérito de Mèlies fue: -Hacer del cine un espectáculo -Utilizar técnicas teatrales y adaptarlas al cin -Descubrir los trucajes cinematográficos -Utilizar por primera vez el guión cinematográfico -Crear por primera vez escenografías -Uso de la fantasía y la imaginación en sus películas.

Es verdad que sus películas fueron de una enorme ingenuidad y llenas de poesía y que no fue capaz de darle al cine un lenguaje propio, pero abrió el camino para que otros hicieran del cine un arte y un medio de expresión.

LA ESCUELA DE BRIGHTON

Ya se ha mencionado el nombre de Wlliam Paul. El fue el iniciador del cine en Inglaterra, quien además de construir su propia cámara, rueda películas con puesta en escena como Carrera loca en auto en Picadilly Circus (1900) donde por primera vez se utiliza el travelling con intención narrativa. A partir de Wlliam Paul surge un grupo de fotógrafos en la ciudad de Brighton que empiezan realizando películas de escenas familiares tipo Lumiere, pero que luego se convierten en pequeños relatos dramáticos con uso de formas narrativas. Este grupo no quieren construir películas como los Lumiere, ni montar un simple espectáculo como Mèlies, sino que sus películas quieren contar cosas. Recuerda que Lumiere y Mèlies dejaban quieta la cámara y ante ella pasan cosas; los de Brighton mueven la cámara desde distintos ángulos y aportan puntos de vista distintos sobre lo que filman, según el ángulo empleado, capaz de dar al cine la expresividad que no tenía: -Utilizan escenarios naturales (calles, playas, jardines) -Los personajes se mueven con total libertad mientras cámara los sigue a través del travelling, tanto a lo ancho como en profundidad de campo. -Descubren el valor dinámico y espectacular de las persecuciones y de los asuntos realistas -Utilizan el travelling dramático -Utilizan el plano-contraplano, como en Matrimonio en auto (1903), cuando dos coches se persiguen y alternan sus puntos de vista respectivos. - Utilizan el montaje como elemento narrativo -Uso del primer plano.